Informasi

Sarkofagus Borghese


Gambar 3D

Sarkofagus Romawi, 250-300 M, Pantano-Borghese (Italia), marmer. Dibuat dengan ReMake dan ReCap Pro dari AutoDesk.

Ada patung almarhum di tengah tangki, volumen (gulungan papirus) di tangan. Di depannya, sebuah benda bulat diletakkan di atas altar. Di setiap sisi, jin (Hypnos atau Thanatos?) mendukung tirai (parapetasma). Kelompok ini diapit oleh seekor burung merak dan seekor singa yang sedang melahap seekor ibex, dengan kata lain, hewan yang masing-masing melambangkan kelangsungan hidup spiritual umat manusia dan kehancuran materialnya oleh kematian. Sarkofagus ini digunakan kembali sebagai baskom air mancur.

Untuk pembaruan lebih lanjut, harap pertimbangkan untuk mengikuti saya di Twitter di @GeoffreyMarchal.

Dukung KamiOrganisasi non profit

Situs kami adalah organisasi nirlaba. Hanya dengan $5 per bulan Anda dapat menjadi anggota dan mendukung misi kami untuk melibatkan orang-orang dengan warisan budaya dan untuk meningkatkan pendidikan sejarah di seluruh dunia.


File:Depan sarkofagus kolumnar yang menunjukkan Pekerjaan Hercules, 160 M, salah satu contoh pertama produksi sarkofagus melengkung di Asia, Galleria Borghese, Roma (21486345669).jpg

Klik pada tanggal/waktu untuk melihat file seperti yang muncul pada waktu itu.

Tanggal Waktugambar miniUkuranPenggunaKomentar
saat ini17:52, 26 Desember 20154.361 × 1.750 (3,76 MB) Butko (bicara | kontrib) Ditransfer dari Flickr melalui Flickr2Commons

Anda tidak dapat menimpa file ini.


Teka-teki Pelukis Tersembunyi di Taman Borghese Roma

Villa Borghese

NS Villa Borgheseadalah taman hijau dan damai di jantung kota Roma. Tempat yang menyenangkan untuk berjalan-jalan setiap hari, taman seluas 128 hektar ini menawarkan sejumlah atraksi, termasuk tiga museum, danau, kuil, dan air mancur di antara kanopi hijau yang megah.

Air mancur di taman

Awalnya sebuah kebun anggur, Kardinal Scipione Borghese mendesain ulang dan memperbesarnya menjadi taman pribadi pada tahun 1605, membangun gedung megah Galeri Borghesepada waktu bersamaan. Taman ini menjadi publik pada tahun 1903 setelah dibeli oleh kota Roma.

Yang Suci dan Yang Profane

Di dalam Galeri Borghese menggantung lukisan jadi diselimuti misteri bahwa sejarawan seni rupa saat ini masih merenungkan kemungkinan makna di balik penggambaran itu. Banyak orang selama bertahun-tahun telah jatuh cinta dengan keindahannya yang tenang, sementara yang lain tertarik dengan rahasia dan simbolismenya yang tersembunyi. Tidak ada keraguan bahwa banyak kebingungan menyelimuti kedua wanita ini Titian’slukisan, Cinta Suci dan Profan, yang tampaknya menjadi satu dan sama.

Seperti ceritanya, Titian ditugaskan oleh Niccolo Aurelio, salah satu dari Dewan Sembilan di Venesia, untuk melukis karya itu untuk menghormati pernikahannya dengan Laura Bagarotto. Tapi kami tidak tahu apa nama awalnya Titian. Karya itu ditemukan di arsip Galeri Borghese pada tahun 1693 dengan nama, Amor Divino dan Amor Profano (cinta ilahi dan cinta profan).

Lukisan itu terlihat cukup sederhana pada pandangan pertama–Laura Bagarotto, pengantin baru, duduk dalam pakaian putih mewah di sebelah Cupid atau malaikat, sementara Venus membantunya memahami cinta duniawi dan surgawi. Laura memegang vas permata yang melambangkan kebahagiaan sesaat di bumi sementara Venus memegang obor ke atas yang melambangkan kebahagiaan abadi di surga. Setidaknya inilah yang pertama kali dipikirkan oleh para sejarawan seni.

Tapi lihat lebih dekat–

Kedua wanita itu duduk di sebuah kuno Sarkofagus Romawi yang diisi air. Cupid mengaduk air sementara keran di bagian depan peti mati menuangkan air ke tanaman yang sedang bertunas. Seolah-olah ini tidak cukup untuk menarik perhatian, hal-hal aneh terjadi di latar belakang. Sebuah benteng yang terletak di atas bukit di belakang wanita berjubah, adalah simbol khas perang dan kemanusiaan yang bisa melambangkan profan (duniawi). Seorang pemburu yang menunggang kuda terlihat naik ke benteng, tetapi di antara dia dan wanita berpakaian adalah dua kelinci, simbol kesuburan. Di sisi lain di belakang wanita telanjang adalah sebuah gereja yang bisa melambangkan suci. Dua pemburu menunggang kuda dan seekor anjing (simbol rumah tangga) mengisyaratkan bahwa wanita telanjang itu adalah Venus (hubungan dengan perburuan). Tetapi orang akan berpikir bahwa wanita berpakaian akan mewakili cinta suci, dan yang telanjang adalah cinta duniawi, atau cinta profan.

Simbol cinta ada di mana-mana, dari mawar di sarkofagus hingga murad yang dipegang wanita berpakaian, indikasi kebahagiaan perkawinan.

Selain itu, wanita berjubah mewah mengenakan sarung tangan untuk elang, atau berburu, dan memegang kotak perhiasannya yang melambangkan kesenangan duniawi. Dia duduk kokoh dan sedikit lebih rendah dari wanita telanjang.

Di sisi lain, keindahan surgawi tidak membutuhkan perhiasan duniawi. Apakah wanita telanjang itu suci?

Apakah Cupid memegang kuncinya?

Venus adalah Dewi Cinta jadi Cupid secara alami akan melayang di dekatnya. Mungkinkah, dengan memutar-mutar air di sarkofagus di antara kedua wanita itu, Cupid sebenarnya menyarankan bahwa cinta yang ideal adalah campuran dari dua jenis ini?

Tapi kami mendasarkan ini semua pada asumsi bahwa lukisan itu tentang cinta yang sakral dan profan. Karena kita tidak tahu apa nama aslinya, mungkin tidak ada hubungannya dengan dua cinta ini.

Titian adalah pelukis Maria Magdalen yang paling produktif dan terkenal. Dr. Francis P. DeStefano dalam artikelnya, “Pertobatan Maria Magdalena,” membahas kemungkinan bahwa wanita berjubah dalam lukisan itu adalah pezina pada titik pertobatan, dan bahwa wanita telanjang adalah Magdalena yang baru bertobat. Banyak yang telah melihat wanita berpakaian indah sebagai pengantin, tetapi apakah mungkin dia bisa menjadi penggoda?

Mari serahkan misteri yang belum terpecahkan ini kepada para profesional dan kembali ke kebun. Musim panas di Villa Borghese Gardensmenghadirkan seluruh tempat konser musik, membuat kehidupan di luar ruangan menjadi lebih menarik. Jalan setapak taman yang romantis, air mancur yang menenangkan, pepohonan yang anggun, pemandangan kota yang menggugah terutama saat matahari terbenam, danau dan taman rahasia menjadikannya tempat yang sempurna untuk menghabiskan sore musim panas.

Pintu masuk ke Villa Borghese Gardens


Lukisan Paling Misterius Italia: Cinta Suci dan Profan Titian

Titian’s Cinta Suci dan Profan adalah permata galeri Borghese Roma’s… dan salah satu lukisan paling terkenal dari Renaisans Italia. Bahkan, sangat dicintai sehingga pada tahun 1899, keluarga Rothschild menawarkan untuk membayar Galeri Borghese 4 juta lira untuk karya tersebut—meskipun galeri tersebut seluruh koleksi, dan tanahnya, dihargai hanya 3,6 juta lira!

Mungkin lukisan itu begitu terkenal hanya karena keindahannya dan karena itu adalah mahakarya Titian agung Renaisans.

Atau mungkin orang jatuh cinta padanya karena rahasia dan simbolismenya yang tersembunyi—sebagian besar di antaranya adalah sejarawan seni tetap tidak sepenuhnya mengerti!

Ada banyak hal misterius yang terjadi di sini.

Sepintas, lukisan itu mungkin hanya tampak seperti potret dua wanita cantik lainnya, dengan latar belakang pastoral di belakang mereka.

Pertama-tama, ada wanita itu sendiri. Yang satu berpakaian, berhiaskan permata, dan—tampaknya—dibuat dengan kosmetik. Dia mengenakan sarung tangan, dan memegang sejenis tanaman. Yang lainnya (hampir) telanjang bulat, hanya memegang obor.

Gereja dan padang rumput dalam Cinta Suci dan Profan

Kemudian lihat apa yang mereka duduki. Itu bukan bangku marmer berukir, tapi itu sarkofagus. Dengan kata lain, peti mati, dari jenis yang digunakan orang Romawi kuno.

Dan itu adalah sarkofagus yang aneh, karena tampaknya diisi dengan air, di mana bayi kerubik berputar-putar.

Lihatlah lebih dekat, dan Anda dapat melihat cerat di bagian depan sarkofagus, tempat air mengalir keluar dan, tampaknya, menyirami tanaman yang tumbuh di bawahnya.

Di latar belakang, sementara itu, Anda memiliki beberapa hal aneh lain yang terjadi: Di ​​sebelah kiri kami, seekor kuda dan penunggangnya berlomba mendaki puncak gunung ke benteng yang menjulang, sementara dua kelinci tampak bermain (atau saling mengejar) di sebelah kanan kami, para penggembala menggembalakan domba di padang rumput di depan gereja yang indah, sementara seekor anjing mengejar kelinci.

Tidak ada yang ada di sini karena kesalahan. Jadi apa artinya semua itu?

Kami tidak yakin. Kita harus mengandalkan pengetahuan kita tentang lukisan itu simbol dan makna tersembunyi untuk mencari tahu. Dan itu karena…

Kami bahkan tidak tahu judul sebenarnya dari salah satu lukisan paling terkenal di Eropa

Meskipun bagian itu disebut cinta suci dan profan, itu bukan nama aslinya. Bahkan, kita tidak tahu apa nama aslinya.

Inilah yang kami melakukan tahu: Titian melukis lukisan itu pada tahun 1513-1514, pada usianya yang baru 25 tahun. Dan lukisan itu ditugaskan untuk merayakan pernikahan Niccoló Aurelio, sekretaris Dewan Venesia, dengan Laura Bagarotto. Tidak ada nama yang tercantum dalam catatan untuk lukisan itu, tetapi pada tahun 1693, hampir 200 tahun setelah lukisan itu dilukis, lukisan itu muncul di inventaris Galeri Borghese dengan nama Amor Divino dan Amor Profano (“cinta ilahi dan cinta profan”).

…atau apa yang seharusnya ditampilkan.

Untuk waktu yang lama, sejarawan seni berpikir bahwa lukisan itu seharusnya menunjukkan dua jenis cinta yang berbeda: yang sakral dan yang profan.

Pasti aman untuk mengatakan lukisan itu tentang cinta. Simbol cinta tersebar di mana-mana, dari mawar di sarkofagus hingga murad wanita di jepitan kiri kami (lebih lanjut nanti!). Dan, tentu saja, lukisan itu adalah hadiah pernikahan, yang akan membuat fokus ini sangat tepat.

Tapi apakah itu menunjukkan kesucian dan duniawi cinta? Nah, jika demikian, itu mungkin menjelaskan latar belakang. Benteng, simbol perang dan kemanusiaan, bisa melambangkan profan (atau duniawi) gereja, jelas, melambangkan yang suci.

Dan itu bisa menjelaskan kedua wanita itu. Mungkin yang satu dimaksudkan untuk menjadi Venus yang menunjukkan seperti apa cinta duniawi yang lain, Venus yang menunjukkan cinta suci kepada kita.

Tapi pertanyaan yang menarik adalah:

Jika ini benar, maka yang dari dua wanita mewakili cinta suci, dan mana yang profan?

Apakah ketelanjangan sebenarnya merupakan tanda kesucian? (Mungkin!)

Sekilas, Anda mungkin mengira wanita di sebelah kiri kita melambangkan cinta suci. Lagipula, dia berpakaian! Yang lain, telanjang, tentu saja, mewakili cinta duniawi dan asmara.

Beberapa aspek dari kostum setiap wanita mendukung teori itu, karena ada begitu banyak simbol tersembunyi di sini! Misalnya, ikat pinggang wanita yang berpakaian umumnya dianggap sebagai simbol ikatan perkawinan dan murad di tangannya melambangkan kebahagiaan pernikahan yang langgeng. Di sisi lain, nyala api wanita telanjang melambangkan nafsu duniawi.

Tapi lihat lagi, dan Anda melihat banyak simbolisme yang mengarahkan kita ke arah yang berlawanan. Untuk satu hal, wanita berpakaian duduk, dan karena itu di bawah-dan lebih dekat ke bumi daripada—teman telanjangnya. Dia mengenakan sarung tangan untuk elang, atau berburu, dan memegang kotak perhiasan, keduanya tanda pengejaran duniawi. Dan dia berpakaian sangat mewah (dan tidak terlalu sederhana!), dengan kain yang kaya dan bahkan sentuhan kosmetik.

Tetapi keindahan surgawi tidak membutuhkan perhiasan duniawi. Wanita telanjang, oleh karena itu, mungkin suci.

Air berputar di sarkofagus… dan menyirami tanaman yang sedang tumbuh?

Tentu saja, itu bukan bayi di antara dua penggambaran cinta (dalam interpretasi ini, dua versi Venus, dewi cinta, dirinya sendiri): Ini Cupid. Dengan mencampurkan air di sumur/sarkofagus, dia mungkin menyarankan bahwa cinta yang ideal sebenarnya adalah campuran dari dua jenis ini.

Tapi lukisan ini mungkin bukan tentang cinta yang sakral dan profan.

Pada abad ke-20, sejarawan seni Walter Friedländer berpendapat bahwa lukisan itu sama sekali bukan tentang dua jenis cinta ini. Dia pikir itu menunjukkan Polia dan Venere, dua karakter dalam romansa populer tahun 1499 Francesco Colonna Hypnerotomachia Poliphili (jangan khawatir, tidak akan ada ujian atas nama itu!).

Interpretasi lain yang jauh lebih sederhana dan masuk akal? Lukisan itu bisa menunjukkan mempelai wanita, Laura Bagarotto, dirinya sendiri, berpakaian putih perawan di sebelah kiri. Dan wanita telanjang di sebelah kanan? Dia mungkin Venus, menginisiasi Laura ke dalam seperti apa cinta itu—lengkap dengan menunjukkan padanya hasrat yang diperlukan untuk membuat pernikahan berhasil (obor).

Tetapi tidak ada yang yakin apa arti lukisan ini sebenarnya. Ada banyak hal yang terjadi di sini, itu pasti. Dan itu membuat sejarawan seni tertarik—dan berdebat!—selama berabad-abad.

Bagaimana menurutmu? Beri tahu kami di komentar!

Dan jangan lupa bahwa Anda dapat mempelajari lebih lanjut tentang lukisan ini, dan tentang cerita, simbolisme, dan seni misterius lainnya, di Galeri Borghese dengan pengalaman museum Borghese kami!


Mosaik Gladiator: berjuang sampai mati

NS Mosaic of the Gladiator, sebuah karya seni awal abad ke-4 yang saat ini dipajang di Galeri Borghese Roma, daftar nama-nama serangkaian pejuang yang dimaksudkan untuk dicatat dalam sejarah: Astacius, Astivus, Rodan, Belleronfons, Cupido, Aurius, Alumnus, Serpeniius, Meliio, Mazicinus dan banyak lagi…

Di sebelah tubuh korban tewas yang tergeletak dan berlumuran darah, ada tanda kecil yang terlihat seperti nol tetapi sebenarnya adalah "Theta nigrum", kemungkinan inisial dari kata Yunani "thanatos", yang berarti "kematian".

Alumni digambarkan dalam kemenangan: dia adalah salah satu "retiarii", gladiator cepat dan gesit yang berjuang tanpa menutupi wajah mereka, dilengkapi dengan jaring, trisula dan belati, memenangkan publik yang memuja dan memasuki mimpi rahasia banyak wanita.

Di kakinya, Mazicinus terbaring dalam darahnya sendiri: dia adalah seorang “secutor”, yaitu gladiator “chaser” yang bertarung dengan helm, tameng, dan pedang pendek melengkung yang dikenal sebagai “sica”.

Cicero pernah menulis, Gladiator apa dengan reputasi sedang yang pernah mengerang, atau kehilangan muka, atau menunjukkan dirinya pengecut, saat dia berdiri dalam pertempuran, atau bahkan saat dia berbaring untuk mati? Atau siapa di antara mereka, ketika dia telah berbaring dan diperintahkan untuk menerima pukulan fatal, yang pernah menarik lehernya ke belakang? (dari “Tuscolanae disputationes”).

Lalu ada Serpenius, seorang gladiator “bestiarius”, menggunakan tombaknya untuk menyerang macan kumbang – salah satu dari banyak hewan liar yang memenuhi amfiteater, Forum Romawi, dan Circus Maximus untuk hiburan rakyat.

Seperti yang dicatat Juvenal, “Ini adalah seorang bangsawan yang berspesialisasi dalam berburu binatang buas. Bagi para bangsawan ini, mencapai usia tua merupakan keajaiban sejak Nero mulai memaksa mereka untuk membuktikan keberanian mereka kepada orang-orang dengan tampil di sirkus” (dari “Saturae”).


Kunjungan wajib

Palazzo Altemps adalah salah satu museum terbaik di Roma, dan memiliki keuntungan tambahan dari biaya masuknya sudah termasuk dengan cabang lain dari Museum Nasional Roma.

Palazzo Altemps Pameran Palazzo Altemps

Sarkofagus Borghese - Sejarah

Apa yang saya tahu tentang seni bisa muat di kepala pin kecil mungil. Jika Anda menyebutkan Bernini kepada saya sebelum minggu lalu, saya mungkin mengira Anda menawari saya koktail. Oke, mungkin saya mendengar dari Bernini, tetapi hanya karena saya membaca Dan Brown’s Malaikat & Setan sebelum perjalanan kami. Caravaggio, bagi saya, adalah nama karakter di Pasien Inggris tentang siapa yang saya baca dengan pikiran yang mengganggu di kepala saya bahwa saya pernah mendengar nama itu di suatu tempat sebelumnya. Jadi, Anda lihat, saya seorang filistin. Tapi sedikit kurang dari satu setelah kunjungan kami ke Galleria Borghese.

Karena kami tinggal di Via Veneto, itu hanya berjalan kaki singkat ke Villa Borghese Gardens yang indah, yang mengingatkan kami pada Central Park yang kecil. Saat kami berjalan di jalan setapak yang rimbun, vila abad ketujuh belas tempat Kardinal Scipione Borghese menggantung topinya dan mengumpulkan koleksi seni yang menakjubkan mulai terlihat.

Jangan lupa untuk melihat ke atas! Langit-langit di The Room of the Emperors.

Saya bukan satu-satunya filistin di ruangan itu. Kepala Goliath Caravaggio adalah potret diri.

Bagaimana Bernini melakukannya? Dia benar-benar membuat marmer terlihat seperti daging di The Rape of Proserpina.

Mungkin Bernini favorit saya dari semuanya: David (gambar wikipedia) selesai ketika Bernini baru berusia dua puluh empat tahun.

Langit-langit ini saja layak untuk perjalanan ke Roma.

Detail dari sarkofagus yang menggambarkan Pekerjaan Hercules. (gambar polloplayer)

Dan ya, saya menemukan ayam jantan!

vivarium Kardinal Scipio, tempat ia memelihara burung merak, angsa, dan burung unta. (gambar polloplayer)

Ketika Anda tiba, Anda harus pergi ke jalur tiket untuk menukar voucher Anda. Kami membuat kesalahan dengan memikirkan voucher kami NS tiket. Orang Amerika yang bodoh, bukan? Kembali ke akhir baris kami pergi. Oh, dan satu baris lagi untuk memeriksa tas tangan terkecil sekalipun. Jika Anda bisa, tinggalkan milik Anda pada hari Anda berkunjung. Semua garis itu (dan semua tangga) adalah cacar, tetapi itu sangat berharga!

Saya muncul berubah dari Galleria Borghese – dengan baik, setidaknya saya sekarang tahu Bernini dari Bellini. Kami memutuskan untuk berhenti dalam perjalanan pulang di Harry's Bar yang terkenal untuk memesan salah satunya dan bersulang untuk kunjungan kami yang luar biasa ke Roma. Kami memiliki SANGAT MENYENANGKAN!


Patung Abad Kedelapan Belas dan Kesembilan Belas

Sejarah patung abad kedelapan belas dan kesembilan belas adalah wilayah besar yang mencakup berbagai negara dan banyak teknik dan proses yang terkadang sulit untuk ditangani oleh para profesor, terutama jika seni pahat bukan dalam bidang keahlian mereka. Dalam rencana pelajaran ini, saya telah memilih pematung yang paling menonjol dan paling banyak dibahas, dan saya telah mencoba untuk memilih setidaknya satu contoh pahatan dari setiap gaya utama abad yang bersangkutan (Rococo, Neoklasikisme, Romantisisme, Realisme, Impresionisme, dan Simbolisme). ). Karya-karya tersebut juga dapat disajikan melalui pendekatan tematik, karena pilihan-pilihan tersebut dapat digunakan untuk mencoba topik-topik seperti: kelas sosial politik kekuasaan versus penaklukan perbudakan gambar tubuh ketelanjangan dan dominasi bidang laki-laki di bidang patung.

Salah satu cara untuk membuka diskusi sebelum memulai kuliah mungkin dengan bertanya kepada siswa apa yang sudah mereka ketahui tentang seni pahat. Jika mereka telah mempelajari seni kuno, mereka mungkin dapat mengingat istilah-istilah seperti kontraposto metode pengecoran lilin yang hilang patung relief polikromi dalam ukiran bundar versus pengecoran dan idealisme versus realisme (r kecil, seperti dalam "realistis"). Kemungkinan lain adalah meminta siswa membandingkan dan membedakan dua patung, termasuk yang mungkin sudah mereka ketahui dari studi mereka tentang dunia kuno (mis., Augustus dari Prima Porta) dengan salah satu patung Neoklasik dalam pelajaran ini (mis., Houdon's George Washington). Perbandingan lain untuk memulai beberapa percakapan mungkin untuk membandingkan, misalnya, Praxiteles's Hermes dengan Bayi Dionysos dengan Clodion's Keracunan Anggur Orang Etruria Pasangan Berbaring di Sarkofagus dari Cerveteri dengan Canova's Paulina Borghese sebagai Venus Victrix atau, kemudian dalam pelajaran, dua karya kontemporer seperti Powers Budak Yunani dengan Hosmer's Zenobia dalam Rantai. Saya telah menyarankan topik diskusi lain di akhir dokumen ini.

Seseorang juga dapat menanyakan apakah siswa merasa bahwa lukisan telah atau lebih diperhatikan dalam buku teks dan presentasi museum daripada seni pahat, atau apakah hal ini tampaknya berubah seiring waktu, dan untuk alasan apa. Ini mungkin membuka diskusi tentang berapa banyak lukisan yang tidak bertahan dari dunia kuno atau bagaimana patung secara tradisional dan terutama digunakan sebagai elemen dekoratif pada struktur arsitektur. Sebuah diskusi menarik mungkin mencakup bagaimana dan kapan patung mungkin mulai melepaskan diri dari arsitektur dan mampu berdiri sendiri sebagai bentuk seni rupa yang unik dan terpisah. Ini mungkin membawa percakapan terlalu jauh ke belakang, tetapi banyak sarjana patung percaya bahwa patung kelompok Ekkehard dan Uta di Katedral Naumberg di Jerman (c. 1249–555) memiliki kualitas emosional dan kekuatan individual dari patung yang lebih modern, meskipun kelompok tersebut masih tetap terikat pada tiang di belakangnya. sejarah patung seukuran, berdiri bebas, non-arsitektur, terutama dalam penggunaan perunggu, ia diikuti oleh Michelangelo dan Bernini, yang menguasai media marmer. Mungkin membantu untuk menggunakan patung yang sudah diketahui siswa untuk memudahkan mereka berdiskusi tentang patung yang lebih modern nanti.

Bacaan Latar Belakang

Jean-Antoine Houdon, George Washington, 1788–92.

Untuk garis besar umum karya pematung utama dan tema dalam seni pahat dari periode yang dibahas di sini, lihat George Duby dan Jean-Luc Daval, eds., Patung: Dari Renaisans hingga Saat Ini (Hong Kong: Taschen, 2006).

Untuk patung era Victoria dan entri luar biasa tentang Powers and Hosmer, lihat Martina Droth, Jason Edwards, dan Michael Hatt, eds., Sculpture Victorious: Seni di Zaman Penemuan, 1837–1901 (New Haven dan London: Yale Centre For British Art dan Yale University Press, 2014).

Untuk panduan dasar tetapi berguna untuk teknik dan kualitas formal patung dari seluruh sejarah seni, lihat Herbert George, Elemen Patung: Panduan Pemirsa (London: Phaidon, 2014).

Sumber Daya Web:

Karena Metropolitan Museum of Art di New York menyimpan contoh karya seni dari kedua belas seniman yang dipilih untuk pelajaran ini, situs web mereka di www.metmuseum.org dan Timeline of Art History mereka di www.metmuseum.org/toah adalah sumber yang sangat bagus.

Mungkin berguna untuk menampilkan satu atau dua video tentang pembuatan dan proses patung, karena siswa terkadang bingung bagaimana kelereng diukir versus bagaimana perunggu dilemparkan. Juga, ketika siswa menyaksikan kesulitan (dan, dengan pengecoran perunggu, bahaya) membuat patung menggunakan teknik tradisional, mereka cenderung memiliki apresiasi yang lebih besar terhadap karya seni. Ada banyak video untuk dipilih, tetapi yang sangat bagus termasuk:

  • Pembuatan Patung Marmer, Youtube
  • Teknik Bronze Cast Adriaen de Vries: Metode Direct Lost-Wax, YouTube (Museum Getty)
  • Casting Bronze: Metode Lost-Wax Tidak Langsung, YouTube (Museum Getty)

Saran Konten

Catatan: Sepanjang bagian berikut, saran yang ditandai dengan tanda bintang atau simbol lain terkait dengan ide tugas di Di Akhir Kelas bagian di bawah.

Lingkup kuliah:

Dalam meninjau beberapa buku teks survei sejarah seni yang paling umum digunakan saat ini, saya memilih dua belas pematung yang paling sering muncul dalam teks-teks tersebut. Saya juga mencoba untuk fokus pada karya dua belas pematung ini di mana materi dapat ditemukan di Internet tentang seniman dan karya mereka dalam bahasa Inggris dan karya yang merupakan bagian dari koleksi museum utama. Dalam Di Akhir Kelas bagian di bawah ini, saya menyarankan beberapa seniman dan karya seni tambahan yang dapat ditambahkan ke pelajaran ini jika waktu dan/atau minat pada subjek memungkinkan. Karya terkuat dari periode tersebut diproduksi di Prancis, dan dengan demikian pelajarannya berfokus terutama pada patung Prancis. Namun, Antonio Canova dari Italia tidak dapat diabaikan, karena reputasi dan pengaruhnya mengalir jauh dan luas, dan karya seni dari Amerika Hiram Powers, Harriet Hosmer, dan Augustus Saint-Gaudens sangat penting untuk memahami pengaruh silang antara Eropa dan Amerika Serikat pada saat patung itu dibuat.

Materi ini dapat dieksplorasi dalam waktu satu jam lima belas menit melalui berbagai contoh, termasuk:

  • Klodion, Keracunan Anggur, C. 1780–90
  • Jean-Antoine Houdon, George Washington, C. 1788–92
  • Antonio Canova, Pauline Borghese sebagai Venus Victrix, 1808
  • François kasar, Keberangkatan Relawan (The Marseillaise), 1836
  • Kekuatan Hiram, Budak Yunani, 1844
  • Harriet Hosmer, Zenobia dalam Rantai, 1862
  • Jean-Baptiste Carpeaux, Tarian, 1865–9
  • Auguste Rodin, Zaman Perunggu, 1876
  • Camille Claudel, Waltz, 1889­–90
  • Edgar Degas, Penari Kecil Berusia Empat Belas Tahun, 1880
  • Jules Dalou, Petani Hebat, 1898–1902
  • Augustus Saint-Gaudens, Peringatan Adams, 1886–91

Patung arsitektur: patung yang dikaitkan dengan arsitektur sebagai dasarnya.

Patung aditif: patung yang dibuat dengan membangun atau membuat model (misalnya, dengan tanah liat) daripada memindahkan bahan dari sumber yang lebih besar (misalnya, memahat marmer).

Basis: dukungan untuk sepotong patung.

Pemeran: untuk membentuk menjadi bentuk tiga dimensi dengan menuangkan bahan (misalnya, logam cair, plester cair, atau plastik) ke dalam cetakan atau sesuatu yang dibentuk dengan cara ini. Cast juga bisa merujuk pada kesan yang terbentuk dalam cetakan atau matriks. [Definisi dari ArtLex Art Dictionary]

Mengejar: proses finishing dan penghalusan permukaan benda logam dengan cara penyok bukan mengukirnya dengan alat baja seperti tracer, ciselet, punch, dan matting tools. Pengejaran dapat dilakukan untuk menghilangkan ketidaksempurnaan dan bintik-bintik kasar pada gips perunggu yang selalu terbentuk dalam proses pengecoran. Pengejaran juga dapat dilakukan untuk menghiasi permukaan logam dengan mengembos atau melubanginya dengan alat. [ArtLex]

Metode pengecoran “Ci-perdue”/lilin hilang: proses pengecoran di mana seorang pematung pertama-tama harus membuat patungnya dalam lilin, kemudian membuat cetakan di sekelilingnya yang terbuat dari bahan tahan api. Ketika cetakan dipanaskan, lilin meleleh sehingga logam cair dapat menggantikannya, mereproduksi patung lilin asli dengan tepat. [ArtLex]

Patung keliling: untuk dilihat dari semua sisi berdiri bebas kebalikan dari relief. Ketika mengacu pada patung, patung bundar dikelilingi oleh ruang di semua sisi. [ArtLex]

Pemeran kehidupan: untuk membuat cetakan tubuh manusia daripada memahat dari model.

maquette: patung kecil yang dibuat sebagai studi persiapan atau model untuk pekerjaan skala penuh. [ArtLex]

Media campuran: berisi beberapa bahan dalam satu karya seni.

Patina: kemilau atau warna pada permukaan apapun, baik yang tidak disengaja dan dihasilkan oleh usia atau dimaksudkan dan dihasilkan oleh simulasi atau stimulasi, yang menandakan usia objek. Benda perunggu sering mengembangkan patina hijau. [ArtLex]

Relief (tinggi/rendah/cekung): jenis patung di mana bentuk proyek dari latar belakang. Ada tiga derajat atau jenis relief: tinggi, rendah, dan cekung. Dalam relief tinggi, bentuk-bentuk itu menonjol jauh dari latar belakang. Dalam relief rendah (juga dikenal sebagai relief dasar), mereka dangkal. Dalam relief cekung, juga disebut berongga atau intaglio, latar belakangnya tidak dipotong dan titik-titik pada relief tertinggi sejajar dengan permukaan asli bahan yang diukir. [ArtLex]

Metode pengecoran pasir: metode pengecoran logam di mana cetakan dibuat dengan mengepak lapisan pasir lembab yang sangat halus di sekitar patung. Ketika aslinya dihapus, kesan yang tepat tertinggal di pasir. [ArtLex]

Patung subtraktif: patung yang dibuat dengan menghilangkan bahan dari sumber yang lebih besar (misalnya, memahat marmer) daripada dengan membangun atau membuat model (misalnya, dengan tanah liat).

Karakteristik lucu dan erotis dari gaya Rococo paling baik dicontohkan oleh patung terakota skala kecil dari Claude Michel, seniman yang dikenal sebagai Clodion (1738-1814). Patung seperti Keracunan Anggur (c. 1780–90) adalah tipikal karyanya, dan menunjukkan penanganan tanah liat yang halus dan terampil. Patung terakota sangat populer di kalangan kolektor seni pada abad kedelapan belas karena sejumlah alasan. Salah satunya adalah bahwa mereka kecil dan cocok untuk dipajang di rumah atau ruang belajar. Lain adalah bahwa mereka dianggap lebih dekat dengan maksud dan inspirasi asli seniman daripada karya-karya yang diterjemahkan dari tanah liat menjadi batu atau logam. Mereka juga seringkali lebih murah daripada pekerjaan di marmer dan perunggu yang membutuhkan lebih banyak waktu dan tenaga. Pada tahun 1780-an, gaya Rococo tidak lagi disukai di Prancis, karena reaksi terhadap karya seni yang tidak memiliki pesan moral atau referensi untuk seni antik dan materi pelajaran. Namun, Clodion terus sukses dengan patung mejanya. Dia kemudian mengadaptasi gaya Neoklasik untuk karyanya. Clodion akan mengerjakan patung ini di atas meja trestle, yaitu meja khusus yang memiliki bagian atas yang dapat disesuaikan dan dapat diputar. Patung kecil di lingkaran ini dipoles dari semua sisi, dan membangkitkan rasa gerakan dan dinamisme yang kuat yang sangat dihargai oleh pemirsa. Keracunan Anggur adalah yang pertama dari beberapa karya bermuatan seksual dalam pelajaran ini, dan beberapa, seperti ini dan karya Carpeaux Tarian, dikandung dengan kedok dalih mitologis.

Jean-Antoine Houdon (1741-1828) adalah seorang pematung Neoklasik Prancis yang dilatih di Royal Academy di Prancis dan memenangkan penghargaan bergengsi Prix-de-Roma pada tahun 1764. Ia mengkhususkan diri pada patung dan figur utuh dari figur Pencerahan kontemporer yang penting. Karena keramahan diplomatik Prancis dan Amerika Serikat selama tahun-tahun itu, ia menerima banyak komisi untuk potret dari politisi Amerika, termasuk Benjamin Franklin dan Thomas Jefferson. Patungnya George Washington, dibuat antara 1788 dan 1792, ditugaskan oleh Badan Legislatif Negara Bagian Virginia untuk ditempatkan di rumah negara bagian mereka. Patung itu penuh dengan referensi klasik, termasuk mata bajak—sebuah referensi ke prajurit Romawi kuno Cincinnatus yang, seperti Washington, kembali ke pertaniannya setelah kemenangan militernya yang besar daripada mencari kekuatan politik yang lebih besar. Simbol kuno dari wajah, atau bundel batang terikat, juga disertakan. NS wajah adalah simbol kekuatan Etruscan kuno melalui persatuan dan kekuatan kolektif. Houdon memasukkan tiga belas batang dalam bundel ini untuk mewakili tiga belas koloni. Washington mengenakan pakaian kontemporer, dan ia berhasil mengadaptasi figur kontemporer ke dalam konsep yang penuh dengan simbol politik kuno.* Masalah kekuasaan dan kepahlawanan dapat didiskusikan dengan para siswa di sini.

Di antara orang-orang sezaman Houdon, pematung Neoklasik yang paling dikenal dan dihormati secara internasional pada awal abad kesembilan belas adalah Antonio Canova dari Italia (1757-1822). Dia menciptakan monumen publik skala besar dan patung untuk pelanggan pribadi. Selain memiliki banyak pelindung di negara asalnya, ia sedekat mungkin menjadi pematung "pengadilan" untuk Napoleon I dari Prancis. Canova juga mengerjakan komisi untuk banyak anggota keluarga kekaisaran, dan karyanya yang paling terkenal adalah potret "tersamar" saudara perempuan Napoleon, berjudul Pauline Borghese sebagai Venus Victrix, dari tahun 1808. Sementara wajah Borghese diidealkan, lipatan daging perutnya lebih alami, dan dia mungkin secara pribadi berpose telanjang untuk Canova. Borghese memegang apel Venus, simbol kemenangan dewi sebagai dewi tercantik setelah dia dipilih oleh manusia fana Paris. Suami Borghese, Camillo, tidak menyukai patung itu, karena tampaknya mengkonfirmasi desas-desus bahwa istrinya tidak bebas. Dengan demikian ditempatkan di sebuah kamar pribadi di Borghese Villa, di mana itu hanya ditunjukkan kepada tamu intim mereka, seringkali dengan cahaya lilin. Canova menggunakan kelereng dan penyepuhan warna yang berbeda dalam karya yang mengacu pada patung Romawi kuno, tetapi patung itu juga sangat inovatif, karena berisi motor yang memungkinkannya berputar untuk penonton. Canova dengan demikian menantang keluhan kuno bahwa patung itu statis dan kaku dan bahwa penonton harus berjalan di sekitar patung untuk mengalaminya sepenuhnya. Setelah kejatuhan Napoleon, Canova bernegosiasi untuk mengembalikan karya seni jarahan yang diambil dari Italia oleh Prancis.**

Setelah pemberontakan tahun 1830 di Prancis, gaya Romantisisme mencapai puncak popularitasnya Contoh patung Romantis yang paling terkenal dari Prancis adalah Keberangkatan Relawan (The Marseillaise), relief tinggi yang terletak di Arc de Triomphe di Paris selesai pada tahun 1836 oleh François Rude (1784–1855). Adegan tersebut menggambarkan versi romantis dari Pertempuran Valmy, di mana tentara sukarelawan Prancis membela Republik Pertama melawan pasukan Austro-Prusia. Secara historis, beberapa anggota keluarga Rude adalah bagian dari tentara sukarelawan. Ketika Marseillaise berisi semua drama, emosi dan karakteristik gerakan Romantisisme, Rude juga membuat referensi ke pakaian militer klasik dan menempatkan sosok alegoris Liberty di atas angka. [Catatan: Hati-hati dengan perbandingan dengan Nike bersayap dari Samothrace di Louvre While Sejarah Cerdas membuat perbandingan ini, Rude tidak mungkin mengetahui hal ini secara spesifik Nike, because he died in 1855, and the Hellenistic sculpture was only rediscovered in 1863.] The title refers to the French national anthem, the words of which were written in the same year as the battle (1792) by Claude Joseph Rouget de Lisle the words were set to music by Hector Berlioz in 1830. Also, Eugène Delacroix’s painting Liberty Leading the People, shown in the Salon of 1831, would have been a direct inspiration for Rude.***

Certainly the most famous, widely traveled, and reproduced American sculpture was the Greek Slave (1844) by Hiram Powers (1805–73). Typical of many Neoclassical artworks, the sculpture commented on the present by referencing a past event. Powers’s sculpture depicts a young, Greek Christian girl captured by the Turks during the Greek War of Independence (1821–32). While Powers had not intended the sculpture to be a commentary on the issue of slavery in the United States, it was seen as such by many contemporary critics. As the figure’s nudity challenged the Puritan sensibilities of the U.S., a small cross, an accompanying pamphlet written by a Reverend, and the usage of pure, white marble established the reading of the girl as pure. The sculpture was widely known because it was shown at Universal Exhibitions in London (1845 and 1851) and Paris (1855), and it toured many cities in the U.S. Six versions of the full-scale sculpture were ultimately made. Students should be reminded that the Neoclassical style persisted in the U.S. (here, into the 1840s) long after it was eclipsed by other styles, particularly in France.‡

Harriet Hosmer’s Zenobia in Chains was shown near Powers’ Greek Slave in London in 1862. Hosmer (1830–1908) studied with the Welsh Neoclassical sculptor John Gibson after she settled in Rome from 1852 to 1853. Her most famous sculpture is Zenobia in Chains, which depicts the queen of the Palmyrene Empire, shown here as she was forced to march through the streets of Rome as a prisoner after the defeat of her army in 272CE by the Roman emperor Aurelian. While Hosmer tended to focus on the trauma or death of her female subjects, Zenobia is shown as accepting her fate with courage. Though Hosmer could have been commenting on American slavery, history indicates that she was more likely referring to the contemporary struggle for unification in Italy. There were few prior visual interpretations of the subject, so Hosmer based her Zenobia on literary sources and a contemporary book entitled Celebrated Female Sovereigns (1831) by Anna Jameson. Sculptures that Hosmer saw at the Vatican Museums in Rome may have provided additional sources for the figure (e.g., the Athena Giustiniani dan Barbarini Juno). Because of her gender, Hosmer was accused of not producing her own marbles. In response to criticism of her use of assistants, she published the essay “The Process of Sculpture” (1864) in Atlantic Monthly, now a standard text in the history of nineteenth-century sculpture. It discusses, in part, the inequality between men and women working in the field of sculpture.

François Rude’s most successful student was Jean-Baptiste Carpeaux (1827–75), best known for his high-relief group for the façade of the Paris Opera entitled The Dance (1865–9). In this work, a winged personification of Dance is surrounded by six or more realistically rendered nude females. The sculpture is bursting with erotic energy, and critics were disapproving of the non-idealized bodies of the dancers and the choice of a sexualized, “indecent” subject for an architectural sculpture. On August 26 or 27 of 1869, a vandal threw a bottle of ink at the sculpture, and it stained the hip of the bacchante on the left and some of the surrounding area. The sculpture was cleaned five days later by a chemist. Indeed, the sculptural group caused so much outcry that it was slated to be removed and replaced however, the onset of the Franco-Prussian War made discussion of the sculpture less important, and two years later the idea to replace the group was forgotten. Since Carpeaux and his wife funded the overage expenses of producing the sculpture, Carpeaux produced and sold reduced-scale versions of the central genius figure to try to raise some of the money back. It could be interesting to see if the students would consider this sculpture controversial today, and, if not, how far an artist might go today in depicting sexualized subjects in public. A discussion of the body and nudity would also work here, especially in terms of what was deemed “acceptable” in public sculpture. If they believe that nudity in public art is now “acceptable,” one might bring up Marc Quinn’s Alison Lapper Pregnant (1999), which caused some reaction against nudity in public when it was displayed in Trafalgar Square in 2005. ‡‡

Auguste Rodin (1840­–1917) is today seen as the preeminent sculptor at the turn of the century. As a Symbolist, Rodin often dealt with the thoughts, emotions, and sensations, evoked by his sculptures, in an intellectual and less obvious way than found in Romantic works from earlier in the century In 1875, Rodin visited Italy for the first time, and the works of Michelangelo in Florence and Rome inspired him he also would have been familiar with Michelangelo’s Dying Slave dan Rebellious Slave at the Louvre Museum in Paris. His first life-sized figure was his sculpture known as The Age of Bronze. It has formal similarities with Michelangelo’s Dying Slave, and was created in 1876 to be exhibited in the Salon of 1877. The original title of the work was Le Vaincu (Yang Ditaklukkan), and other titles included L’Age d’airain (airain is a synonym for bronze, but it could also refer to brass or iron) and The Awakening of Mankind. These titles make reference to the defeated party of a war and to the metals used in the making of the first weapons used to kill people. The life-sized Age of Bronze, sculpted using a former soldier in the Franco-Prussian War as a model, was so realistic to viewers that Rodin was accused of making a “life cast,” or a cast in plaster taken directly from a live model. While life casts are used frequently today without issue, in the nineteenth century, the process of life casting was considered to be a form of cheating. A number of established academic sculptors came to Rodin’s defense, and eventually a bronze version was purchased for the state. Students could be prompted to argue whether they feel that life casting was in fact a form of cheating, or if it was simply a step in the process of realizing an artistic concept. The theme of the body and nudity can also be brought up here. In this case, Age of Bronze was not meant to be displayed in a park, street, cemetery, or as part of a building. Instead, the issue here was related to the possibility that Rodin took a plaster cast from an actual body. Thus, people were viewing a “real” body, as opposed to the artist’s interpretation of a model’s body. Students might be asked to discuss issues of naturalistic interpretations versus idealistic interpretations in the modern period.

Because the École des beaux-arts in Paris did not accept female students, Camille Claudel (1864–1943) studied sculpture with Alfred Boucher at the Académie Colorossi. She worked in the studio of Rodin beginning in 1884. Due to their relationship, her work is unfortunately too-often compared to his within sculpture scholarship it is best to avoid such comparisons and focus on her work as advanced and individual. Claudel was often described as Rodin’s student, which limited her ability to move forward in her career. She also spent thirty years of her life in a mental institution however, it is not useful or necessary to present her as a victim. Instead, discuss her use of exceptional materials, such as jade, onyx, and electricity (in the form of electric lights), and her mixture of them within specific works, both of which were very innovative for the time. One of her best-known works is the sculpture entitled The Waltz, which was begun c. 1889–90 and was produced in many versions through 1905. It existed in plaster, bronze, gilded bronze, and a now-lost oxidized stoneware version. As with the sculpture by Carpeaux discussed above, the subject of the dance was laced with sexual connotations this was especially true with this group by Claudel, in which both figures were originally nude. At the time, the subject of the dance and the nudity of the figures were considered inappropriate themes for a female artist to undertake. She added the skirt-like drapery to the female figure to satisfy a request of the Minister of Fine Arts in the hopes that her commission for a marble version for the state would not be revoked. She saw the double standard in this, as most sculptures of nudes made by male artists were not rejected by the state. She was able to retain the commission, but she never completed the marble. The figures in The Waltz are intertwined and, like many of her sculptures, are full of movement, sinuous lines, and grace. Claudel began The Waltz in 1888, the year she met the composer Claude Debussy. Debussy received a cast of The Waltz that he kept on his mantelpiece, and his music may have been a source for the subject of the sculpture. Many Symbolists chose the theme of the dance as a representation of one’s movement through life (for example, Edvard Munch’s Dance of Life from 1899).

While Edgar Degas (1834–1917) is normally associated with the Impressionist movement, his sculpture entitled The Little Fourteen-Year-Old Dancer (1880) seems more closely related to Realism. Like sculptors before him, Degas was interested in the movement of figures in space in his sculptures. A young, scrappy dancing student from the Paris Opera (modeled by Marie van Goethem) stands in ballet’s fourth position before the viewer. The original wax version of this sculpture, complete with a wig, a silk hair ribbon, bodice, tutu, and slippers, was exhibited in the sixth Impressionist exhibition in 1881. This use of mixed media was a very modern concept, but viewers and critics criticized it, likening it to a voodoo doll and comparing it with the artist’s drawings of a criminal and with ideas of human degeneration, prompting Degas to remove it from the exhibition early. None of his other sculptures were exhibited during his lifetime, and all of the bronze casts of his work were made after his death. His sculptural work is now understood as avant-garde, and the sculpture is one of the best-known and best-loved sculptures of the nineteenth-century. There are currently twenty-eight known bronze casts of this sculpture in museums around the world.

After the death of the painter Gustave Courbet (1819–1877), the style of Realism continued strongly in the realm of sculpture. Images of working-class people involved in their usually grueling labor were the subject of these works. The Grand Peasant (1898–1902) by Jules Dalou (1838–1902) is an excellent example of Realism in sculpture. Rather than showing a perfectly well-built and idealized male figure, Dalou presents us with a tired-looking, yet dignified laborer. This work might have been placed at the top of Dalou’s Monument to Labor, begun in 1889 but never completed. Only the figure of the peasant was completed at life size the rest of the monument only exists in small maquettes and studies. However, the sculpture may have also been conceived as work independent of the monument. It was shown at the Salon of the Société nationale des beaux-arts in 1902 in honor of Dalou, who had recently died. The heroism of the common man was beginning to take hold in this period. A comparison with The Little Fourteen-Year-Old Dancer will help students visualize the image of the common worker and the presentation of different social classes (the workers versus who they are working for), and a comparison of The Grand Peasant with an image of a more traditional heroic figure, like Houdon’s George Washington, would certainly prompt interesting discussion on monuments and depictions of heroism.

Public sculpture commissions for streets, public squares, and cemeteries reached a high point at the end of the nineteenth century in the United States. One of the most prominent sculptors in America during this period was Augustus Saint-Gaudens (1848–1907). He created The Adams Memorial (1886–91) as a funerary monument dedicated to the wife of the writer Henry Adams. For Marian “Clover” Hooper Adams’s tomb, Saint-Gaudens combined the classical tradition in sculpture with an nod toward Buddhism, especially in the calm, spiritual, and meditative substance of the figure. Adams had visited Japan in 1886, the year after Clover’s death, accompanied by the artist John LaFarge. Adams instructed Saint-Gaudens to base his wife’s memorial on images of Guan Yin, the Bodhisattva of compassion. Michelangelo’s Sibyls on the Sistine Ceiling also inspired Saint-Gaudens. Stanford White designed the architectural portion of the monument, which includes a exedra bench in rose-colored granite Saint-Gaudens and White worked on numerous projects together, including the Farragut Monument (1881) and the revolving finial depicting the goddess Diana for the second Madison Square Garden (1891–2). The seated figure on the Adams Memorial is androgynous and thus seems to come from a more spiritual realm. Deep thought, mystery, and emotion were themes in Symbolist art that Saint-Gaudens successfully captured in this monument. Students might be asked to compare this sculpture with John LaFarge’s The Great Statue of Amida Buddha at Kamakura (1886) or his Kuwannon Meditating on Human Life (c. 1886).

Di Akhir Kelas.

* Houdon: Setting up a comparison between Houdon’s George Washington and the Neoclassical work of the same subject by Horatio Greenough from 1840 would generate good discussion about “acceptable” and “unacceptable” presentations of a ruler. It would also show how long the Neoclassical trend persisted in the United States.

** Canova: Starting a dialog about Canova’s role in the repatriation of Italian art taken by the French could kindle a nice discussion of other issues of repatriation with students. For more detailed information on Canova’s repatriation campaign, see Christopher M.S. Johns, Antonio Canova and the Politics of Patronage in Revolutionary and Napoleonic Europe (Berkeley and Los Angeles: University of California Press, 1988).

*** Rude: Students might be asked to compare and contrast the Delacroix painting to the Rude sculpture in terms of context, composition, stylistic characteristics, and the politics of revolution and history of uprisings in France.

‡ Good comparisons on the theme of enslavement for students to make with the Greek Slave include Hosmer’s Zenobia in Chains Raffaele Monti’s Circassian Slave (c. 1851) John Bell’s Andromeda (1851) and Bell’s American Slave (1853).

‡‡ A good discussion may arise from comparing Rude’s La Marseillaise with Carpeaux’s The Dance. Both are ascribed to the Romantic style, and Carpeaux was Rude’s student, but Carpeaux’s work also has a palpable link to Realism. There are also some compositional and formal similarities and differences. The issue of reproduction of large scale works into smaller, marketable bronzes and works in editions can also spark a discussion of the “original” in sculpture.

Caterina Y. Pierre (author) is a full professor of art history and a co-director of Women’s and Gender Studies at CUNY-Kingsborough Community College. She is also a visiting associate professor at the Pratt Institute.

Jon Mann (editor) adalah Dosen Ajun di Lehman College, Kontributor Senior di Artsy, dan kontributor kuliah dan editor di Sumber Daya Pengajaran Sejarah Seni dan Pedagogi dan Praktik Sejarah Seni.

AHTR berterima kasih atas pendanaan dari Samuel H. Kress Foundation dan CUNY Graduate Center.


The painting embodies an extraordinary interpretation of the topic of the incarnation of the divine and human nature of Christ, which is between death and potential future life. All colors and shades of light are in the flesh tones.

The impact on Rubens by Roman sculptures is evident from the ancient altar with scenes of sacrifices, especially in the sculptural high relief of the figures. The dense color texture of the painting owes much later works of Titian, and the airy vibrato and gentle rhythms reminds the artworks of Correggio. Light, suddenly flashing in the dark area of the painting, suggests that Rubens originally competed with the chiaroscuro experiments of his modern Caravaggio.


The Deposition by Raphael (Room IX)

Also know as The Entombment, this 1507 painting by Raphael was completed when the artist was just 24 years old and is one of several works by the artist on show at the Borghese. The painting was commissioned as an altarpiece by a Perugian noblewoman, Atalanta Baglioni, in memory of her son Grifonetto, who was murdered in 1500. The faces of suffering and despair allude to the family’s grief, while the depiction of the swooning Virgin Mary on the right of the painting is a reference to the patron herself. It is thought that the face of Grifonetto is shown on the central figure turning away from the viewer.


Tonton videonya: РИМ. Алтарь Мира, фонтан Бочка и Палаццо Боргезе (Januari 2022).